創作是為了什麼，到底？

說起創作，到底是怎樣的一件事情，以及，到底為什麼想要創作，想要好好的寫寫。

2011年，那時候剛接到雲林採訪的專案，因此在攝影上想要開始專精一點，因而開始在曾敏雄老師那邊上課，而在這之前，我就是一個在ptt-dslr版、dcview、mobile01這三個大站之間跑來跑去的攝影愛好者，上了課之後，我才開始有創作的意識，因此開始很努力的去很多地方看展覽，那時，跑最多的還是1839與TIVAC藝廊，其他非攝影的藝廊比較少數。

那時候有幾個獎，TIVAC攝影獎、高雄獎。那時我對這些作品沒有什麼鑒別能力，只是想知道，他們為什麼能夠得獎，到底厲害在哪裡，那個時候的我，完全都搞不清楚。那時的我，對於創作這件事情很不明白，只是在心底想：到底怎樣的作品才會成功？才會得獎？才能銷售？為什麼這些作品可以展出呢？

對於創作的最基本的動力，其實還是：1. 想看看自己能做到什麼程度 2.想搞清楚整個創作的架構體系。

更簡單來說，只是想要衝撞整個體系，看看我這個外行人，能做到什麼程度。

 

開始創作：我印象很深刻，那是一次剛從1839看完展覽出來，覺得很悶很悶，然後就在附近的街頭閒逛，不經意的抬頭看了天空，發現有許許多多地高樓大廈，把我們的天空佔據了，

於是，那時發現了一個有趣的視角，來看這些建築物，也就是從底下看上去有一個45度角對稱的視角。「為什麼是這個視角，因為我發現這個視角的張力最強，彷彿每一棟建築物都像是一把尖銳的刀子一樣，劃開天空。」於是，那時開始瘋狂了拍攝了相當大量的建築切角，幾乎沿著台北市的每一條大街，都把所有可以拍的建築拍完了。

不過那時，我僅僅有的，只是這些從正常的視角拍上去的建築物，也就是畫面中只有一個向上的三角形。因為這套作品感覺在張力上，似乎不夠強烈到能夠表達我對於這些建築的感覺，因此開始嘗試在許多形式上的拼貼或重疊。後來，決定使用映射的方式，最後變成下面這套作品。：

「人 建築 天空 people building sky 」

用鏡像映射的方式，在作品的張力上有什麼差別，是原本只有一個三角形的建築物，突然變成一個漂浮在空間的建築，甚至是一個我們不熟悉的物件、物體，也可以理解成「漂浮在空中的外星戰艦」的概念，在這個系列裡面，有些很抽象、有些則有線條的張力，有些則帶有一些自然物的奇異景象。(例如上圖的植物)。當然，在初期作品還有一些在背景的處理上不完美的狀況，例如如果天空帶有雲朵，映射下來則會變得相當粗糙，因此有些照片，直接採取了把背景去掉，填充單色背景的處理方式。

雖然這個作法會使得作品變得有一點「視覺設計」、「平面設計」的成份在，不過如果實際輸出的話，因為有相紙本身的紋路，因此實際上，觀者也不太覺得那是一個單色填充的天空。

後來，這套作品在我完全搞不清楚狀況下，就入圍了2012的高雄獎。(因為我三件作品就只有個別丟了一張這系列的作品，當然，跟評審的愛好也有相關。)

*在本質上，這是在抒發與表達，自己在台北城市生活的感覺，將高樓大廈所帶給我自己的壓迫與束縛，轉換成這樣的作品。不過，在評論上，黃建亮老師覺得我把這些大廈奇觀化、神聖化了，而不是醜化他，在美學形式上與我想達到的效果有點不符合。

*以下是陳伯義前輩給予我的建議：我還是提供幾點來思考： (1)有些建築物的近景因焦點而模糊，似乎與其他不怎麼一致. (2)如果以低限、冷抽象的調性來思考，似乎有些圖仍然保有溫度感. (3)想像成太空站，那夜晚的建築又如何？ (4)如果要讓觀看者產生天與地的錯覺，例如這構造是水平延伸且消失於頂端，那 背後(天空)除了雲這個元素外，有哪些可以運用，例如：金屬球體散在三角形外。
(1)與(2)的建議是美學範式，你還是依照你的想法來完成，我的建議那只是一種細節品味的要求而已。 至於(3)與(4)則是延續太空站的想法所發展的。 陳伯義 目前還在元素的選擇與掌握，是不是還有很多工作要來磨，例如 corner還有哪些語意， 造型上的美學氛圍要精確在那個品味？ 想像力的延伸，還可以有什麼可以轉化。 通常，我每個題目在製作時，都會發生好幾個轉向，這個過程沒有上百捲以上的底片是不 可能深入的. 總是要繞一圈回來後，你才會知道"眉角"是什麼。

不過，這已經是2011年討論的面相了，後來這套作品就一直擱置著，沒有再有更多變化。(或許借此篇文，能夠有再度思索的可能性。)雖然在2015曾經在嘉義的法式餐酒館有再次展出的機會，我也藉機修正了幾張不夠完美的作品，現在則有九張完整的作品可以展出。

 

後來，我在2012年的雲林有大家出版完之後，因為那時對核四的議題很有興趣，因此在段時間內對貢寮地區做了很多的調查，在一個冬天無人的天氣，去走貢寮海灘，那時，發現海灘上有許多垃圾，但這裡的垃圾很有趣，可能因為東北季風強勁的關係，因此在每一個垃圾的後面都形成了有趣的沙丘形狀，而這個人造物就卡在沙灘上，形成一種暫時固定的風景。那時，我覺得這些沙丘非常的有意思，因此拿了兩盞閃燈在地上，試圖把這些光影強調出來。

2012 「遺留」

然後，就入圍了2013的高雄獎。這套作品，曾經參加過young art的portfilo review，那時有些評審說這些陰影很有趣，而不是垃圾本體上很有趣。雖然在議題上，是一個全球環境的議題，也加上了一個特殊的形式，不過，好像也不怎麼成功。

然後，在創作上就進入了一種停滯，雖然有很多題材不停的在拍攝，不過好像參加比賽都沒什麼結果，讓我感到很灰心。

介紹幾組小作品：

2012「夜巡」

那時候常常去日月潭，因為是平日的關係，幾乎到了晚上的六點，就沒有什麼人，然後日月潭的環湖步道都沒有路燈，只能靠著車子的燈光照射到反光鏡與地上的貓眼石來辨識馬路，那時候就覺得，「人類如果沒有科技的輔助，在天黑了之後，還能夠行進嗎？而我們的人生，好像也在朦朦朧朧之中，依循者一點點生命中的靈光，給予我們指引，然後漫步的走向前方。 」，這套作品也有一段錄相，大約六七分鐘，過程中只看得見這些道路反射牌。

2012「舞!舞!舞!」

那時候，有一次去高雄找咖啡鳥的阿欽，那時候已經打烊了，但我在等他下班，進行一些不重要的閒聊，那時候，我看見桌上的一盆植物特別的迷人，在一張大大的桌上，上面只有一盞燈光，然後我就開始很認真的拍起來。2012，那時我對攝影充滿了熱情，也對於相機這個媒材充滿了好奇，只要是我能夠操縱的功能，都會盡量的去嘗試。後來我用攝影中的改變焦段與改變焦距，在長時間的曝光中，讓靜止的植物彷彿有了生命一般的活了過了。

2012「連鎖風景」
在常常迷路的中永和，那時候，常常得依靠便利商店來當做路標來認路，而那時，是我才剛知道獨立書店或者咖啡店這個概念，開始討厭這些連鎖的企業，因此，開始大量的拍攝了這些連鎖企業，在利用疊圖，在周遭的風景建築都重疊起來，變成一幅只有連鎖商店的記憶風景。

不過，這系列只做了7-11與全家便利商店，兩張，因為其他店家收集的不夠多，後來覺得好像這套作品不怎麼樣，就沒有繼續做下去。

2013「我的人生觀」
這大概是唯一一組靜物的作品，那時候是去北藝大看評圖的時候，朋友跟我說，銀箔會著時間氧化而變色。我對於這點感到相當的有興趣，所以去買了一顆很貴的蘋果，大概是180元，然後去買了金箔、銀箔交錯的貼在這顆蘋果上面，貼一張，就拍一張照片，直到貼滿了一半。然後就一直放著，等候他的變化，大概放了半年，才變成右下角那個模樣。

這個作品雖然充滿了實驗性，但是蘋果的選擇，有著人最初的那個覺醒的意義，也就是亞當夏娃的那顆蘋果，吃了之後，人類才醒過來。然後新鮮的蘋果，象徵新生的嬰兒。一張一張正方形的金箔、銀箔，象徵許許多多在我們身上的價值觀、社會制度、體系等等箝制，然後這一面充滿著光鮮亮麗，卻會隨著時間而改變、腐朽。另一面刻意沒有貼的部份，則象徵了人類最原始的真誠、直覺，沒有被社會污染的那一部分。

*不過，我知道，這個解釋實在太過牽強，所以就沒有再繼續發展。

 

2013「我的世界觀」

這個系列，是我在頻繁走訪田野的時候，在魚塭、農田裡發現的一些有趣的痕跡，我試圖將他抽象化然後拋向一個非常宏觀的景象，例如上圖的星光夜景，實際上，這是一張臭水溝的風景，而上面小小的白點，都是一隻隻蟲蛹。

不過，後來覺得自己這樣的轉換，好像沒有什麼有趣，所以拍了一些之後就沒有再發展。

 

2014~2015「see sea」

這個系列源自於2014年，三月到五月的期間，待在旭海採訪書寫，因此每天都能看到大海，於是，拍了很多的太平洋，當然也在拍攝之中，了解了山本博斯的海景系列，有多困難。這系列約莫拍了一百多張，大部分都在天黑之前一直拍到不能拍為止，當然有些特別的日子，例如日出、月昇，風景特別的有趣。

對攝影來說，這系列的困難度在於，面對同一個被攝體，能夠拍出不一樣的風景，而且，在這風景裡面，要有自己的看法。在構圖上，我選擇1:1的原因是在於，不想要這樣的畫面，被「風景化」看待，另外，構圖置中的原因，是我覺得，天空與海水，一樣的重要，所以不是上面1/3也不是下面1/3。最後，在天空裡、在海面上，我尋求一種平靜，也就是盡量的不要有戲劇化的痕跡、物件(例如很有戲的雲、很美麗的泡泡)，所以我用了很多方式來抹去這些痕跡，拍攝中移動相機、轉動鏡頭的對焦環、變焦環或者是重曝，我大概都試過。

當然，追求這樣的形式與質感，完全是內心抒發的一種方式而已。

 

2015 ~ 「依依」

這系列的創作，源自於2015上半年我大量的接觸樸門，重新思考人與自然的關係，以及，人該如何用什麼姿態生存在這個世界上 。然後在自家陽台種植的過程之後，一直在尋找容器，而其實，很多東西都能夠拿來種植物，不管是雨鞋、安全帽、牛奶罐，只要有個凹洞，基本上就能夠種植。

後來我一直在思考，為什麼人類與大自然的關係會這麼遙遠而又疏離，許多人不知道植物如何生長，僅僅依靠著人類社會系統的分工，讓我們只要走進餐廳，坐下來然後在菜單上畫上幾筆，就有食物能夠送上桌。

為了能夠重新思考，人與自然的關係，於是我開始嘗試將人體當做容器去種植植物，最後產生這套作品。當然因為身體尺度的關係，只能選擇新生的植株或者小尺寸的植物做搭配，很難有更完美的詮釋。

當然在作品發展上，採用美麗身體所拍攝的作品大概都拍的差不多了，也就是身體上所有能夠放置的區域與植物，都用盡了，想不到更好的作法，大概有二十多張。

2015.12 因為上了exlab，了解到，一些反常態美學的身體作品，或許可以是一個可以發展的方向，因此開始嘗試拍攝超級肥胖的身體，並且將攝影主體反過來，畫面變成有大量的植批，然後露出少部分的身體。

 

2015~「台灣真寶」

這一系列最起始，也源自於待在旭海書寫的期間，因為阿塱壹古道是台灣唯一天然海岸線，因此在出版之後，開始去很多地方分享，也讓我自己開始對台灣其他海岸感到好奇，於是有段時間我幾乎走遍了台灣的所有海岸線，於是發現了非常非常多的垃圾(順帶一提，台灣最骯髒的海岸線在桃園的竹圍漁港的南方。)，其中有些垃圾非常的有趣，具有類似石頭的質感，而其實他們都是人類所丟棄的廢棄物，例如：泡綿、橡膠、樹脂、磚塊+水泥。經過大自然力量的清洗，變得渾圓而又富有肌理。

在初期的作品處理上，我希望能將這個物件，拋向雅石收藏的脈絡，所以第一件做的事情，是去找訂做石頭底座的廠商，(經過一些努力)就做好了，但當時，我還不懂如何去欣賞雅石，所以就全部製作了底座。做完底座之後，我先用商業攝影的方式，拍攝單一石頭的照片，不過總覺得有點無趣，所以開始找尋，收藏的歷史，中國到底在什麼時代有收藏石頭、物件、珍寶的習慣，於是，我找到了杜堇的名作「玩古圖」，於是跟故宮申請了圖片檔案，再請一位ptt的高手，把桌上的物件置換成我所收藏的物件。

製作完成之後，輸出在近似宣紙質感的紙張上面，在用捲軸裱褙的方式展示。

除了上面這個子系列，還有另一個子系列「藏家」，是找尋真的有在收藏雅石、奇石甚至木雕、化石的藏家，去了解他們收藏的脈絡與欣賞石頭方式，其中一位藏家常常被邀請去做評審，因此我才比較了解，他們如何欣賞石頭，評鑑石頭，也有不同欣賞的脈絡。

於是我在這些藏家的家庭布置裡頭，放入一個我所撿拾的物件，然後一起拍照，塑造一種「這些物件真的被收藏，而且跟其他的石頭放在一起」如果是不了解脈絡的觀者，在欣賞這個畫面的同時，是不會意識到，裡頭有一件「偽收藏」。

最後一個子系列「真寶溯源」，是我把這件收藏，實際回到撿拾地，去拍攝一幅作品，等於是揭開謎底，讓大家知道，這個物件來自何方。

若依照觀看順序，1.玩古圖 2.收藏 3.溯源，觀者會有一層一層撥開面紗一般的欣賞經驗，最後恍然大悟。

不過，為什麼會開始操作現成物，主要是因為長期受到陳伯義的質問：「為什麼要用攝影呢？其他媒材不行嗎？」讓我開始思考，攝影這個媒材的獨特性與限制性，然後也開始思考與其他媒材結合的可能性。(基本上就是一種，攝影還沒專精就開始跨界的行為) 這作品第一次看到這個物件，直覺上就跟我在台東看到許多販售許多西瓜石的店家聯想在一起(屏東旭海以及台東安碩，那邊有很多美麗的南田石，所以那時候才開始去接觸石頭收藏的領域)，所以一開始就把這件作品丟向賞玩石頭的脈絡去發展。

也就是某一次YT在演講中講的偽裝，例如把某種好笑的事情，丟入中國歷史裡頭，或者把自己的日常無聊雜記，偷偷偽裝成報紙，讓讀者以為讀到的是什麼重要的新聞，結果是個無聊到不行的生活日記，簡單來說就是這個概念。

 

由於創作已經邁向第五年，加上YT一直強調，作品發展要有脈絡，「你可以在藝術家的不同作品之中，看到他如何思考攝影，思考自己與創作的關係……」所以我就努力把這篇文章寫出來，希望對自己有點幫助。

若以上[稍微成套]的作品來分析疏理，大致上可以歸納以下幾種大脈絡的作品：

有關環境：2012遺留(海洋垃圾)、2013我的世界觀(鄉野痕跡)、2015台灣珍寶(海洋垃圾)

生存焦慮：2011 人 建築 天空(高樓大廈)、2012連鎖風景(全球化、跨國企業)、2013我的人生觀(價值觀、社會框架)、2013夜巡(盲目中僅能依靠指引前進)

人與自然的關係(簡單來說也可以併入生存焦慮一脈絡)：2015依依

靜物(內心投射、心像)：舞!舞!舞!、see sea

 

老實說，自己歸納出來也下了一跳，原來生存焦慮這件事情佔了很大的部份。
接下來，就看看怎麼繼續往下走吧！

2016.1.19