[心得]Wonder Foto Day, 展後心得分享

Wonder Foto Day, 展後心得分享

2011年，那是一個我開始將攝影視為一種認真創作的時間點，開始用攝影去詮釋一件事情，拍攝雲林是一個開始，然後我開始去看展覽，在似懂非懂的狀態下，度過了不少的時間，看展覽，很多疑問，「為什麼？他能夠在這邊展覽？為什麼？作品能賣得出去？為什麼？這作品能進美術館？」

帶著很多疑問，我開始做屬於我自己的創作，然後不知道害怕的開始去丟比賽，用一個完全不知道自己在幹嘛而做出來的創作，去嘗試、去測試、去實驗自己的作品到底能在整個攝影體制下有什麼樣的回應。

然後，我開始想要知道別人都在做什麼創作，還曾經想要讓更多像我一樣的創作者被看見、被討論，於是有了曾經一次的在TIAVC地下室舉辦的講座，邀請了很多出國留學回來的年輕創作者來分享。還好那時堅持錄影，到現在youtube上面，還能夠看到錄影，而這場講座，也一直被許多年輕創作者提起。

當然，很快的意識到自己在能力與經濟上的強烈不足，很快的就收起自己的雄心壯志。於是後續開始在曾敏雄老師那邊學習攝影，開啟自己對於攝影的初步認識，然後度過一段默默創作亂丟比賽好像沒中就覺得自己作品失敗，於是默默收起來的時間。

創作跟著生命走，生命跟著各種工作在轉變，也跟著生存的姿態再轉變。

後來開始在exlab上課，深刻體會到這個世界已經太過精采，要超越這些頂尖研究員的作品，實在困難。只是，看過這世界，畢竟得回到生命的本質。於是開始有一些不同領域的養分開始灌入。

後來，突然之間就冒出一位比我還猛、還衝也有強力後盾的彥文，和文包合作開了藝廊，帶著幾位藝術家的作品前進法國、日本，讓很多作品被看見、被收藏。然後辦了這幾天這樣的活動，攤位小小，數量眾多，但是創作者的能量能在此被凝聚，多元而豐富的作品再一次爆炸開來。

觀念的、本格派、清新派、身體派、鏡子流、雕塑+地景、工藝性的、實驗性的、街頭派、旅行派、f64派、攝影加繪畫的……

不管作品如何，都是每一個創作者的生命展現，在短短時間內讓許多人觀看、欣賞，當然，我漸漸地很輕易地能在觀者走到攤位前的那一刻，就能被細微的把他們分開來：有因為攝影很屌，所以來湊熱鬧的，有想知道攝影可能性的好奇寶寶，也有想深度了解創作者動機的人，更有會去探索作品背後的個人特質，甚至再追尋到我的生命轉變過程的本質探索者，當然，也有那些藝廊、雜誌、媒體來找作品的機會創造者。

來的人多，我不放棄任何一個能向對於作品感到好奇的人解說我的作品的機會，就這樣站在攤位前，幾乎每一分鐘。

創作的某一個部分，是希望被看見與肯定，被一般觀眾看見，增加他們對於攝影的想像；被老師們看見，尋求他們的建議；被keyman看見，增加自己能在往前走的機會。

對於許多年輕創作者，面對創作初期許多資源上的不足、能見度的不足，Wonder Foto Day 台北國際攝影藝術交流展 的確是創造了一個能夠被看見的平台，出現的貴賓，除了所有第一線的攝影老師們都出現了，也有一些編輯與策展單位出現，真的不容易。

我十分感激與感謝兩位策展人 馬立群、 房彥文，能夠在這個時間點，勇敢的站出來，替台灣攝影圈帶來全新的能量與活力，也讓更多優秀的作品被帶出國外。

感恩！讚嘆！

感謝許多平常未曾謀面的臉友出現，能夠見面聊一聊，感受到創作者之間的情誼。感謝許多老朋友新朋友出現，給予阿破作品上的建議與指教。

還得感謝我的爸媽可以讓我任性創作到現在，特地來看展覽，了解我的作品。最後，我會努力不餓死，成為一位優秀的藝術家。
ps. 我的夢想就是作品能賣出一億台幣！你們等著！

(aPo 2016.2.21

[參展]台灣真寶 @Wonder Foto Day 台北國際攝影藝術交流展

《台灣真寶》

台灣真寶這一系列作品延伸自《Left 遺留》的攝影系列作品，被攝物件多來自於台灣海岸的垃圾堆。我在遊走台灣海岸的同時，發現了這些人類製造出來的產品碎片，在產品壽命終結之後被任意丟棄，逐漸因自然力量被撥去外殼，而物件內裡則經過海浪與風的塑型之後，成了在岸邊石頭堆裡真假難辨的遺棄物。我將這些廢棄物拾回之後，經過我的加工、擺設、拍攝之後，再度重現在眾人面前。

陳柏銓

生存實驗家
http://www.pochentw.com/

曾入選2012,2013高雄獎
曾獲得美國IPA, 法國PX3, 俄羅斯MIFA 國際攝影比賽共14項榮譽獎
曾出版《印度漂流》、《雲林有大家》、《我在阿塱壹,深呼吸》

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Wonder Foto Day 台北國際攝影藝術交流展

2016 / 2 / 20、2 / 21

松山文創園區 東向製菸工廠

www.wonderfoto.com

www.facebook.com/WonderfotoDay/

博客來購票頁面

http://goo.gl/33eER8

那一場缺席的雪

台灣很少能夠下雪，而這一次，種種細微的因素造成了這次的台灣降雪。

而雪，是台灣人普遍缺乏的視覺經驗，但這次，超強的冷氣團，讓降雪線直降到海拔300公尺。於是這兩天台灣人不管是自己去看，還是在社群網站上被迫觀看，都經過了一場白色風景的視覺風暴。

雪，降到土地上，原本是咖啡色樹幹、綠色葉子或許再加一點黃色、紅色的山區風景，一下子，就變成白色。可惜的是，台灣這場雪，還不夠厚，所以很多地區的風景，都是以雪為客體，也就是雪來到土地上來作客的意思，在草原上稀稀疏疏的分布著，在景觀上，其實只有點綴的作用而已，對於傳統的台灣風景經驗，沒有什麼重大的革命。我想說的，是那種能夠掩住大地的雪。主體、客體瞬間翻轉過來，白色的雪，一下子變成視覺的主體，以往熟悉的山頭，一下子都變成曝光過度的風景。而也是因為這個特殊的顏色，白色，而讓許多視覺語言不再熟悉。

這個白色，幾乎是無層次的，一旦超過的一個厚度，就是一種絕對的白。因為這個幾乎無層次的白，使得在視覺上，我們反而會反過來去尋找那個不是主體的客體，也就是：那些沒有被掩蓋的部份，或者，是那些雪的界線、崩落的地方。當我們意識到，這是一個有雪的照片的時候，我們憑藉的，是那些客體，如果沒有客體的存在，我們是無法意識到，這是一張雪的照片(例如：一片白而沒有任何線條的照片)

所以，其實在拍攝雪地風景的時候，我們是在拍這那一場，缺席的雪。

原研哉：「白指的不是白色，而是可以感覺到白的感受性，所以我們不需要尋找白，而是要尋找能夠感覺白的方式。」白色，在日本的設計之中，被談論的最多，是這幾年出版的原研哉的書籍《白》、《設計中的設計》

「　其中一種概念，我們稱之為「空」（Emptiness），也就是「空虛」的意思。在與人進行溝通時，與其單方面滔滔不絕地表達意見，倒不如傾聽接納對方的心聲來得有效。也就是說成功溝通的關鍵，並不是如何去賣力說服，而是在於有無靜心傾聽。因此人們傳承歷史文化，創造出一個空之容器，藉以容納了解與他人之間的溝通。像是日本國旗的紅色圓圈和十字架等簡明扼要的符號，我們無法依賴字面上的意義來詮釋這些符號，反倒是依賴著思緒當中，那擁有浩大空間的空之容器，吸收人們對於這些符號的印象畫面 。可以是陵墓與教會的空間，也可能是和風茶室或是日式庭院，這些都是以「空」來進行溝通時所得到的結果。起初，我開始撰寫自己所認知的「空」，但是在摸索「空」的過程時，我發現了「白」這樣的概念。如同「空白」這樣的詞彙，兩者有密不可分的關聯。我想，「白」是在發掘「空」的過程中勢必會先產生的。因此在描述「空」之前，我想先試著闡述「白」的概念。」 – 摘自《白》之序

出處：http://www.mottimes.com/cht/article_detail.php?serial=978

杉本博斯在設計護王神社的時候就有提到，日本的文化裡頭，有一個很重要的概念是「空」，也就是如此，為什麼不管是日本的神社、寺廟，都有一個很大的「空」間，例如神社會圍出一個空間，「等待」神的降臨，或是很大的空地，等待事情的發生、人的聚集、節慶的上演。因為有了空、有了等待這樣的概念，所以「白」才在日本這麼重要(當然，順序也可能是到轉過來的)。

所以，今天在拍攝雪景的時候，才想到，或許這個與雪密不可分的日本，這個大量的白的視覺經驗，帶給了日本人很大的影響，甚至，影響了整個日本文化。

關於這場雪，我是這麼想的。

aPo 2016.1.25

今天拍的缺席的雪，可以參考以下連結：

https://www.facebook.com/media/set/?set=a.886027098176972.1073741842.402080179905002&type=3

[商業攝影]新萬利肉骨茶麵

https://www.flickr.com/photos/break-wall/sets/72157652662547271

[廣告DM]mountain cafe 餐點

https://www.flickr.com/photos/break-wall/sets/72157649096171280/

[攝影服務]個人肖像

每個人，都需要好照片，來看見自己，來告別世界。

  

更多作品請參考 https://www.flickr.com/photos/propc/sets/72157648219174067

好的肖像照片，能看見靈魂深處。

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攝影至今 2014/6/24

 

在忙完了阿塱壹、清水之後，難得有幾天是完全待在家裡整理作品的，
除了整理了以前到現在的大海系列之外，也稍微將清水的照片整理一下。

攝影走到今天，若從最早2008年印度開始算的話，大概有6年了，
從旅遊到紀實到觀念再到心像。

最近拍攝大海系列的時候已經感覺到，那種回不去的感覺，
即使只是雲朵，因為太有戲，我覺得多餘，而盡可能的透過攝影的手法將它抹去，
不知道什麼時候開始，那種一點點的干擾我都覺得「太雜了」。

我希望照片越簡單越好，所以拍大海的時候漸漸的走向這個階段，
我不要雲、也不要岩石、沙灘，我只專注在海平面的顏色與波紋以及天空的顏色或紋理，
那種越燦爛越有張力的風景照，我已經沒辦法拍了，總覺得太「張狂」，
已經不是我想要的照片，我希望風景照就該乾乾淨淨，雖然寧靜但是卻有力量，
跟 梶岡俊幸 Toshiyuki Kajioka 的作品一樣，我想往那個方向去走。

(高知麻紙、墨、鉛筆，他的作品大多在1.5公尺以上，在大張的紙上面密密麻麻的刻劃出了水紋，站在前面會有無止盡的感動與禪意)

「在幽暗的水邊，凝視著感覺得到細微波動的水面，

我也陷入一種身體要溶進黑暗裡的感覺，

然後，如果在黑暗中獨自一人，反而能夠感覺到我的存在。

但是，也能感覺到凝視著我的，在我裡面的他者，還有也可以和全體聯繫在一起。

透過習慣黑暗，也能明白在我之中，深深黑暗的部份，

而那也是，感覺到滿溢地安全感的時刻。」-梶岡俊幸

到後來，我覺得拍攝風景都是在當下尋找一種寧靜的力量，
那個力量來自於心靈深處，也來自於風景的深處，也算是「某種鏡子」吧！

至於我的紀實攝影，我記得在2013高雄獎的時候有遇到陳以軒，有給他看我雲林的作品，
我那時候說：每次看雲林的照片我都會哭，尤其是看著他們眼睛的時候。
他說：這個哭的點很重要，可能是你的作品能跟當代結合的點。

2012出完書之後，因為妄想著要出攝影集，又努力的拍了不少雲林作品，
最後疏理出來的還是以人為大宗，慢慢地有抓到一點點可以前往的方向。

一、是寧靜的人像(勉強可以稱為肖像)，人都處於非常安靜的狀態，眼神大多直視鏡頭，
雖然安靜，但是非常有力量(悲傷的、慈悲的、寬容的、愛)，
都是那種我自己看著被攝者眼睛只要超過5秒鐘自己就會掉淚的那種。

最近因為看到上田義彥的肖像而興奮不已，跟我想拍的肖像差不多，
安靜但具有力量，這種肖像不需打光，只要一有「華麗」的光線，
那種平實沈靜的氣氛就會被破壞，只能使用自然光。

我想這種手法大概跟小津安二郎的運鏡手法類似吧，無趣甚至一鏡到底的鏡頭，
因為抹去了鏡頭、技術上的加入，使得被攝者的靈魂能夠被展現，
我想要的大概就是這樣的肖像。

 

二、公共場合裡面所展露的私情緒

不管是什麼場合，即使在表演之中人也會陷入一種非常私我的狀態，
可能是失神或者是陷入回憶、某種狀態之中。

不過這很難拍，到現在應該不超過十張吧!

 

 

至於觀念攝影

人 建築 天空 People building sky  2012高雄獎入選

遺留 Left – 2013高雄獎入選

現在看來覺得概念上都太薄弱了，大概跟我的思考深度與閱讀的廣度有關係，
自己覺得現在已經過了這個階段了，要是哪天還有個奇妙觀點再來拍吧！

 

最近看了 《『一坪展』30回紀念誌》與 《日本寫真50年》，
覺得這事件上的奇人實在太多，不過作品都還是跟隨著個人的生命脈絡去走，
如果沒有自己觀看自己的生命，我想也不會有獨一無二的作品。

這就是為什麼現在覺得當代離我好遠的關係了，
只要好好過生活、好好反思/整理作品，自然就會看見獨一無二的自己。

 

2014.6.24

 

 

[攝影筆記]心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

心象-楊延康 藏地攝影原作展

作品細節：共展出38幅，手工親放、無酸紙基相紙、每張20版，53x34cm
售價：不知道是不是含裱褙的價格，2/20 = 65,000  5/20 = 85,000  6/20 = 125,000 8/20 = 165,000 11/20 = 20,5000  13/20=285,000
展出狀況：裱褙狀況不佳(凹凸不平十分明顯)，懸掛位置約150cm
掉掛不平(數幅歪斜，經反應後已有部分改善)，打光不均勻

作品狀況：手工親放的品質不夠整齊，不如網路上的照片。

畫冊：150元，印刷品質極差(比網路上的還差)，開本太小(15x15cm)，只能當做資料收集之用，無收藏價值。

攝影主題：西藏、青海、甘肅、四川、雲南，以藏民為主題，拍攝十年，2003~2012

攝影內容關注面：玩耍、背經文、做酥油花、感恩馬的婦人、休息(轉經綸)、拾羊糞、吹法鑼、抱鴿子、打鑼、轉寺、塑佛像、死去的兀鷲、帶鷹翅膀的僧人、掛喇叭、背經筒、提茶、演藏戲、跳法舞、餵山雞、放貓、灑龍達、朝聖節中的僧民、為佛轎打傘、刷洗僧房的小僧人、揹木板的僧人、做陶罐的男人、揚場的日子、吸鼻煙的婦女、打水的婦人與孩子、炒青稞、站在山頂的僧人、抱雪中的信徒、喂羊的老人、吹嗩吶的僧人。

分析：拍攝方式多為側拍記錄，記錄層面相當廣泛而不重複，多為公開的空間，少有私人空間作品，顯示期拍攝深度僅限於生活切面而未進入生活核心，少有與被攝者眼神接觸之作品，被攝者多處於一種生活狀態(做某件事情ing)、一種生活氛圍與情緒，深入精神層面的有「抱鴿子的女人」、「提茶的僧人」，有幾張特別具有儀式性的作品「站在山頂的僧人」、「背木板的婦女們」(人與木板的影子像是背著十字架往前行)，另有數張則像是古典繪畫的質感與構圖：「感恩馬的婦人」、「吸鼻咽的婦女」、「炒青稞的女人」(這張特明顯，很像魏梅爾的畫作)。

整體階調屬於暗沈憂鬱而有詩意的Low Key風格，但「跳佛舞的小僧侶」一作對比特別大(特別是亮部)，不知道是否為處理失誤還是特地想保住小朋友歡樂的明快氣氛(?)。在那麼多照片裡面，捨棄了眾多有生活氣息的作品，而選擇了以「抱鴿子的女尼」為主視覺作為宣傳，表示作者/策展人想把主體氛圍導向一個類似聖經詩篇的天人合一的場景，他們心裡似乎仍然美化了藏民生活的刻苦與艱難，而題目「心象」與策展人論述，「是他尋找精神的歸宿」，表示他仍將這塊土地美化，希望能在那世外桃源之中找到自己心中的樂土/烏托邦，最終他只是在一次次長途跋涉的攝影旅途中救贖自己，而完全忽略了他們怎麼在那個地方生活以及更多刻苦生活的面貌。

2014/6/2 台北紅樓

[攝影]作品應該如何存在？

『作品應該如何存在？』

如果你看過賈柏斯(Steve Jobs)的傳記，就會知道：開發iPhone、 iPad的時候，他們會做出大量有著細微差距的樣品，全部放在桌上，每天用手去觸摸、思考，感覺在手上的重量、感覺放進口袋的合適程度，甚至會聆聽每一個放回桌上的聲響。

他們絕對不會只把設計圖畫好，然後就只用螢幕去看，這個好，這個不好，因為此時只使用了視覺來思考整件事情。實體化之後所帶來的五感，才能真正顯示作品的價值。

照片、文字亦同，將作品從電腦硬碟裡的千千萬萬張篩選出來，從虛擬又流動的螢幕，到印表機的打印，將影像放置在一張有重量、觸感、味道、光線質感的紙張上面，於是，作品開始在這個世界上佔有一點空間。

你開始觸摸那張作品，感受她的重量、在燈光下品味她的反射然後再聞一聞那新鮮紙張與墨水的味道，嘗試著用最敏感的指尖去觸摸那個紙張微妙的紋路。

這是你的作品：有了在手指之間的間距感、神經能感受到的溫潤、飄散在空氣裡的細微線索，有劃過皮膚的粗糙感還有落在視網膜的聲響。

然後你開始思考，各項評比的分數總和，夠不夠達到你的標準。

或許有幾張作品，過關了，接著你又開始思考，該給他用什麼形式裝裱，能讓她在這個世界上，像個樣子。是有存在感的黑色邊框、有物質感的白色木框，還是帶有科技感的銀色鋁框，亦或是仍保有觸覺溫度的原色木框。

用指甲摳起無酸膠帶的痕跡，45度斜口刀劃開視覺框的突刺，然後，是鐵鋸切開鋁框的刺耳尖叫聲，最後包裹上附有衝擊抵抗力的空氣泡泡衣。

轟隆轟隆，作品就這樣正正式式地裱好了。

作品一路從螢幕穿出，經過了梳裝打扮，穿起了西裝外套，風光地上了舞台，也正式地在世界上宣告存在。

存在，厚實的存在。

搬運時總得花上一番力氣，再搭配精準的水平儀，不左也不右的掛在牆上，踩上梯子費力的伸長手臂去調整溫暖的鹵素燈，一盞、兩盞。

「歐！不對！該換標準色溫燈。」

你在開幕的前夕，靜靜地站在作品前面。      思考，沉默。

你用力的感受展場的氛圍，在不斷的前進後退之後，找到一個最適合觀賞的距離，此時作品散發出來的氣場，剛剛好。

「嗯，應該在地上畫個腳印。」

「這就是原本在螢幕看到的那張作品嗎？原來，她在這個世界上的重量，是如此的寬厚。原來，她的力量是那種拿著狼牙棒給你重擊，之後又拿著孔雀羽毛輕輕騷你胳肢窩的感覺。」

終於懂了，下次，再多思考一下吧！

 

攝影隨想(鏡頭的人文質感)

相機與鏡頭究竟有什麼差別，

以前的鏡頭粗糙，解析力不佳，對焦可能也不太準確，畫面細緻度也不好，因此有了濃濃的人文質感。

為什麼人文質感是「不準確、不精細」？這應該也是人類不斷嚮往一種機械性的精準有關係，因為要求精準因此不斷開發機器來生產出誤差非常小的商品，例如汽車。

所以現代過於精準的對焦、連拍與銳利度，反而帶來了相當濃厚的工業氣息(精準、冷冽、銳利)。

(鄭桑溪作品)

(自然顏色 作品 http://www.pse100i.idv.tw/m/3npnfrzn/3npnfrzn001.html)

太銳利的鏡頭反而不適合拿來拍人文題材，會過於冷冽。